Allez droit au but : 10 astuces pour ajouter du rythme et de l’énergie à vos montages

1. Le whip pan : Déplacez-vous avec conviction

Le whip pan (également connu sous le nom de swish pan) est un panoramique rapide d'un sujet à un autre ou d'une scène à une autre, créant un flou de mouvement entre les deux. Il est parfait pour les transitions énergiques, la révélation de surprises ou la simulation d’un déplacement fluide de la caméra à travers différents lieux. Vous pouvez également l’utiliser pour masquer un montage d’une configuration à une autre.

La mise en œuvre

• Exécution manuelle : Utilisez une tête de trépied fluide ou un stabilisateur. Effectuez un panoramique rapidement dans une direction et arrêtez-vous brusquement. Pour passer à un second plan, effectuez un panoramique dans ce cadre dans la même direction et à la même vitesse.
• Synchronisez votre mouvement : La magie réside dans la coupe. Lors du montage, recadrez les prises de vue au point flou et faites un fondu enchaîné si nécessaire. Ajoutez un effet de souffle discret pour renforcer la transition.
• Uniformité de l’éclairage : Pour assurer la continuité, essayez de faire correspondre la direction de l'exposition et de la lumière dans les deux scènes.

Quand l’utiliser

Le whip pan est idéal pour les séquences d’action, les sauts temporels, les révélations comiques ou pour simuler des déplacements rapides d'un endroit à un autre. Il peut vite devenir lassant en cas de répétition trop fréquente, mais utilisé à bon escient, il apporte une assurance stylistique indéniable.

À l'écran : Scott Pilgrim (2010)

Le réalisateur britannique Edgar Wright est le maître moderne du whip pan. Dans Scott Pilgrim, le whip pan n'est pas uniquement utilisé pour créer de l'énergie mais pour ajouter de l'élan entre les blagues, les scènes et même les dimensions. Observez comment la caméra se précipite en tous sens dans les scènes de bataille musicale ou dans les transitions entre les chambres : c'est un langage cinétique utilisé par Wright pour faire avancer le récit.

2. Sauts de séquence : Sortez du cadre pour maintenir un rythme soutenu

Les sauts de séquence sont des perturbations intentionnelles dans le temps et l’espace, marquant une coupure entre deux plans similaires où le sujet a clairement bougé, sans lissage. Utilisés de manière appropriée, ils dynamisent le rythme de la scène et créent un effet d'urgence ou de tension stylistique. Bien utilisés, ils peuvent vraiment garder votre public en haleine.

La mise en œuvre

• Caméra statique : Cadrez une prise de vue verrouillée, comme un personnage parlant ou effectuant une action.
• Effectuez une longue prise : Laissez l’action se dérouler naturellement.
• Montez de manière sélective : En post-production, faites des coupes dans le film en supprimant les pauses, tronquant les fins de phrase, etc. Le changement de position (ou de langage corporel) révélé par ce montage est ce qui crée le « saut ».
• Vous pouvez également filmer la même scène deux fois et alterner entre les deux prises aux différences subtiles.
• Si votre appareil photo offre une performance haute résolution de type 8k ou 6k (tel que le Z8 ou le Z6III), vous pouvez utiliser cette flexibilité pour zoomer sur l'image avec la coupe, rapprochant ainsi le spectateur de l'action, ce qui peut être (volontairement) très déstabilisant.

Quand l’utiliser

L'ensemble est un peu trop statique ? Vous avez peur que votre public s'ennuie ? Ajoutez un saut de séquence pour apporter un peu de piquant.

À l'écran : À bout de souffle (1960)

Au cinéma : Ce film de Jean-Luc Godard, grand classique de la Nouvelle vague française, a littéralement inventé le saut de séquence moderne. Observez Michel conduisant et parlant dans la voiture : Godard coupe dans une prise unique, brisant la continuité mais ajoutant un rythme poétique brut.

Style d'influenceur : Les vloggers et les YouTubers utilisent souvent les sauts de séquence de manière intensive pour maintenir l’élan, ainsi qu'un haut niveau d'engagement du public. À vous les likes !

3. Le travelling compensé : un effet hallucinant

Également connu sous le nom d'« effet Vertigo » (comme le film de Hitchcock), le travelling compensé crée une sensation surréaliste de distorsion spatiale en zoomant tout en reculant la caméra, ou vice-versa. Le sujet reste de la même taille tandis que l’arrière-plan se transforme et se déforme autour de lui.

La mise en œuvre

• Équipement nécessaire : Un objectif de zoom et un slider/chariot de travelling.
• Contrôle du mouvement : Déplacez la caméra de manière fluide tout en effectuant un zoom avant ou arrière à la même vitesse dans la direction opposée.
• Exercez-vous à respecter votre timing : Vous aurez peut-être besoin de plusieurs prises pour obtenir la bonne synchronisation entre le mouvement et le zoom. En fait, vous en aurez certainement besoin. Cela requiert une véritable compétence et comme toujours, seule la pratique permet d'y parvenir.

Quand l’utiliser

Dans les moments émotionnels ou psychologiques : choc, réalisation, effroi. Cette technique vaut de l'or en matière cinématographique pour illustrer de manière visuelle que le monde du personnage s'écroule autour de lui ou se transforme.

À l'écran : Les dents de la mer (1975)

Le plus célèbre de tous les travellings compensés : Le chef Brody sur la plage voit ce qu’il pense être une attaque de requin, et le monde recule derrière lui pendant qu’il reste fixe. Steven Spielberg a utilisé cette technique pour exprimer la panique intérieure et la prise de conscience et, ce faisant, il a créé un grand classique intemporel du cinéma. Le travelling compensé est également utilisé comme astuce habile dans Severance pour définir quand un personnage se transforme d'« inny » en « outy ».

4. Les raccords : comment créer des rimes visuelles

Les raccords sont des transitions fluides entre deux formes, mouvements ou cadres similaires. Imaginez un personnage sautant en l'air se changeant en ballon traversant le ciel en suivant le même arc. Ces effets créent un flux visuel et subliment votre montage grâce à une géométrie cachée.

La mise en œuvre

• Planifiez les prises de vue : Recherchez des formes, des actions ou des objets qui se font écho.
• Cadrez avec précision : Effectuez votre prise de vue avec l'intention de vous en servir pour le raccord. Visionnez votre scène sur place : le cadrage et la vitesse du plan sont-ils adéquats ? Pas question de refaire la prise !
• Utilisez des speed ramps (pour accélérer ou ralentir le film) ou des masques : Ils vous seront utiles pour fluidifier la transition entre deux séquences disparates.

Quand l’utiliser

Narratif créatif, symbolisme thématique et transitions lisses dans les clips musicaux ou les films de marque.

À l'écran : 2001: L'Odyssée de l'espace (1968)

Autre chef d'œuvre d'anticipation du montage, le raccord de l'os au vaisseau spatial est l'un des plus spectaculaires de l'histoire du cinéma. Lorsqu'un singe préhistorique lance un os en l'air, celui-ci tournoie et Stanley Kubrick enchaîne sur un vaisseau spatial qui navigue dans l'espace en suivant ce même mouvement, franchissant en une seule transition plusieurs millions d'années d'histoire !

5. Le smash cut : bousculer les sens

Un smash cut projette brusquement le spectateur d'un état émotionnel à un autre. Tout est dans le contraste et l'effet de surprise. Aucune chance que votre public s'assoupisse si vous utilisez un tel effet dans votre montage.

La mise en œuvre

• Éléments de contraste : Juxtaposez deux scènes opposées : par exemple, un moment paisible méditatif qui passe sans transition à un coup de feu ou à un cri.
• Utilisez le son délibérément : Le silence rend le smash cut beaucoup plus puissant.

Quand l’utiliser

C’est un excellent moyen de changer le rythme ou la dynamique du film. Même dans vos vlogs, passez d’une scène paisible sur une plage au coucher du soleil à une vue embarquée d'une balade à jet ski chevauchant les vagues à plein régime. Affreux !

À l'écran : Trainspotting (1996)

Danny Boyle utilise le smash cut de manière magistrale, comme par exemple dans la transition abrupte où Renton s’enfonce dans une toilette dégoûtante pour se retrouver soudainement flottant comme dans un rêve dans une eau pure et limpide : quel excellent moyen de surprendre votre public.

6. Coupes en L et en J : Des transitions audio fluides assurent la continuité du mouvement

Il n’y a pas que les visuels qui garantissent la fluidité de vos montages. Dans une coupe en L, l’audio de la première scène se poursuit au début de la seconde. Dans une coupe en J, l’audio de la scène suivante commence avant le visuel. Ces transitions sont subtiles mais extrêmement efficaces pour maintenir le flux narratif et l’énergie entre les scènes.

La mise en œuvre

• Utilisez les coupes en J pour introduire un nouvel environnement ou un nouveau dialogue avant la coupe.
• Utilisez des coupes en L pour renforcer la touche émotionnelle ou pour prolonger une scène qui vient de se terminer.

Ce sont des techniques de montage invisibles qui donnent à un film un aspect professionnel , même si personne ne se rend consciemment compte de leur présence. La voix off qui se chevauche est devenue un élément artistique incontournable des films noirs pour maintenir la tension dramatique au fur et à mesure du déroulement de la scène.

Quand l’utiliser

C’est un excellent moyen de relier les scènes dans l'esprit du public, soit en s'attardant par le son sur la précédente, soit en préfigurant la scène à venir.

À l'écran : The Social Network (2010)

Le montage de David Fincher est parsemé de coupes en J et en L, qui perpétuent le dialogue et l'ambiance d'une scène à l'autre. La séquence de la course d'aviron sert de transition visuelle vers Harvard, mais la musique et le son se superposent, entretenant la tension.

7. Osons la distorsion temporelle : accélérez (au ralentissez) votre film

Changer la vitesse de votre film à mi-prise de vue peut affecter considérablement le rythme. Le ralenti peut mettre un moment en lumière, tandis qu’une avance rapide ajoute un véritable élan.

La mise en œuvre

• Une cadence de prise de vue élevée de 60 vps ou plus vous offre une marge de manœuvre.
• Utilisez les courbes de vitesse en post-production : Des applications telles que Final Cut Pro, Premiere Pro ou DaVinci Resolve permettent à des graphiques de vitesse personnalisés de modifier votre cadence de prise de vue au fil du temps. Apple Motion excelle en cela.
• Accrochez-vous au rythme : Les speed ramps synchronisés avec la musique sont incroyablement efficaces, pensez au bruit du plongeon d'un nageur qui ralentit soudainement lorsqu’il entre dans l’eau.

Quand l’utiliser

Cela aide le public à se concentrer sur les moments clés, un coup d’épée par exemple, lorsque l’action se déroule rapidement sous leurs yeux, c’est aussi un moyen de NE PAS couper, créant une dynamique qui va permettre au temps de s'écouler en une seule prise plutôt que par des montages successifs.

À l'écran : 300 (2006)

Zack Snyder utilise des speed ramps pour souligner chaque coup d’épée et lancer de lance. Observez les scènes de bataille des Perses : l'action s'accélère et se ralentit de manière dynamique, engendrant un rythme hyperréaliste. Cela désoriente le public et l'immerge totalement dans le chaos de la bataille.

8. Zoom coup de poing et travelling avant numérique

Les zooms rapides (optiques ou numériques) peuvent simuler un effet d'urgence ou une ambiance dramatique. Un travelling avant numérique en post-production, en particulier pour les films tournés en 4K, peut ajouter de l’intensité à une scène sans avoir recours à un objectif de zoom physique, comme nous l'avons déjà vu avec les sauts de séquence.

La mise en œuvre

• Zoom coup de poing : Utilisez un zoom et zoomez rapidement manuellement pendant la prise de vue. Idéal pour une intensité comique ou l’action.
• Travelling avant numérique : Redimensionnez votre prise de vue en post-production (pas plus de 110 à 120 % pour éviter une perte de qualité).

Quand l’utiliser

Montages de style documenteur, clips vidéo ou présentations de produits.

À l'écran : The Office (série américaine)

Cette série de style documenteur utilise des zooms coup de poing rapides pour le timing comique et pour « saisir » les réactions. Pensez aux regards entendus que Jim jette à la caméra lorsqu'il franchit le « quatrième mur » : les zooms coup de poing soulignent la dimension improbable ou absurde de la scène.

9. Transitions par zoom brutal

Les transitions de zoom simulent le mouvement de la caméra traversant la scène, utilisant généralement le flou ou le mouvement pour masquer la coupe.

La mise en œuvre

• Zoom intégré ou numérique : Effectuez votre tournage avec un zoom, ou simulez l'effet avec les outils de montage, en profitant de la marge de manœuvre que vous laisse la prise de vue en 6k ou 8k. Cependant, méfiez-vous de la taille monstrueuse de ces fichiers !
• Ajouter du flou de mouvement : Cela peut rendre la transition réellement convaincante pour le spectateur.
• Synchroniser avec de la musique ou le mouvement : C'est dix fois plus efficace que de l'associer à un son ou à un effet spécial. Là encore, cela renforce la crédibilité d'un montage spectaculaire et peu naturel.

Quand l’utiliser

Cet effet hautement cinétique plonge votre public au cœur de l'action ou le propulse d'un seul coup dans un autre univers. Ne vous contentez pas de le tenir en haleine, coupez-lui le souffle.

À l'écran : Everything Everywhere All At Once (2022)

Les réalisateurs The Daniels (Kwan et Scheinert) utilisent avec brio les zooms brutaux et les transitions ultra-rapides pour faciliter au narratif, et au spectateur, le passage d'un univers à l'autre parmi tous ceux qui se bousculent dans ce film. Les scènes s’enchaînent avec une énergie vertigineuse et les transitions de zoom (souvent améliorées numériquement) amplifient l’intrigue surréaliste et chaotique.

10. Fondus enchaînés, volets et glitches

Ces transitions classiques sont toujours d'actualité, surtout si elles sont stylisées. Les fondus enchaînés sont parfaits pour les ambiances émotionnelles, tandis que les volets et les glitches sont excellents pour rendre une esthétique futuriste ou brute.

Évitez simplement d’insérer une transition par défaut dans votre montage. D'excellents plug-ins sont disponibles, vous permettant d'affiner vos transitions pour mieux les intégrer dans vos films : DataMosh, par exemple, est un formidable plug-in créé par Motion VFX qui produit des mixages numériques d'un glitch achevé. Comme toujours, les meilleurs préréglages sont ceux de votre bibliothèque.

Voici comment l’utiliser

Les plug-ins de montage modernes exploitent de nombreux effets de glitch tels que les transitions de bruit numérique et de volets. Je suis un grand amateur de glitches analogiques 16 mm tels que le film-burn et les light leaks.

Quand l’utiliser

Les volets sont des grands classiques et peuvent ajouter un authentique côté rétro à une scène. Les glitches de type film apportent une superbe texture analogique aux montages, tandis que les ruptures de style numérique sont particulièrement bien adaptées aux films modernes.

Le fondu enchaîné est la transition de choix pour passer en douceur d'une scène à l'autre.

À l'écran : La guerre des étoiles (1977)

La célèbre Guerre des étoiles de George Lucas utilise des volets personnalisés et des fondus enchaînés pour passer d'une planète à l'autre et pour changer de narratif. Le contraste flagrant entre cette technique vintage et l'incroyable bond dans l'avenir que représentait le premier opus a donné à l'original de la Guerre des étoiles une dimension épique. Ces effets reprenaient ceux des grands classiques de science-fiction tels que Flash Gordon, ajoutant au film un aspect familier et intemporel. Ils sont devenus une partie intégrante des productions de la Guerre des étoiles et sont toujours présents dans les séries télévisées actuelles, près d'un demi-siècle plus tard.

Dans la pratique

Un montage de haute intensité ne se résume pas à des fast cuts et à des effets spéciaux. C’est un équilibre entre rythme, intention et contrôle.

Comparez-le à de la musique : les moments de tension et de relâchement, les changements de tempo et les crescendos émotionnels sont ce qui rend une bonne chanson si facile à mémoriser.

Alors, lorsque vous planifiez votre prochaine prise de vue, pensez déjà à la façon dont vous allez effectuer le montage. Chaque mouvement que vous saisissez, que ce soit un whip pan, un saut de séquence ou un travelling compensé, doit servir à renforcer le ressenti de la scène.

Et cerise sur le gâteau : tout ceci est tellement amusant ! Vous allez constater qu'après avoir planifié un mouvement, un zoom ou une transition et l'avoir saisi sur le plateau, vous vous précipiterez sur votre outil de montage pour tout assembler.

Bien sûr, cela ne marchera peut-être pas à tous les coups : certaines prises ne donneront pas l'effet escompté, d'autres seront abandonnées au montage, mais ne vous découragez pas. Fournissez l’énergie et donnez libre cours à l'émotion.

Le matériel en coulisses

Pour réussir les mouvements de haute intensité ci-dessus, il est indispensable d'avoir les bons accessoires. Voici une courte liste d’accessoires complémentaires qui peuvent transformer vos efforts en magie cinématographique fluide.

1. Tête de trépied fluide

Permet d'effectuer des panoramiques tout en fluidité et des inclinaisons sans à coup.

Idéal pour : whip pans, inclinaisons lisses, raccords.

2. Stabilisateur

Stabilise les films à main levée pour les prises de vue à pied, les mouvements d’orbite ou le suivi sur chariot de travelling. L’une des plus grandes inventions de tous les temps pour le vidéaste solo : l'unique option avant cela était le Steadycam qui coutait une fortune et faisait terriblement mal au dos !

Idéal pour : Speed ramps, remplacements de chariot de travelling, effets de parallaxe. Au cœur de l'action.

3. Sliders motorisés et rails

Permettent un suivi reproductible et précis ou des mouvements push/pull.

Idéal pour : les travellings compensés, les prises de vue de produits, les dévoilements de contenu haut de gamme par effet de parallaxe.

4. Les zooms avec un contrôle précis

Vous permettent de zoomer en temps réel, pour des zooms coup de poing ou du travelling compensé.

Idéal pour : effet Vertigo, zoom brutal, recadrage rapide.

Ces effets peuvent être obtenus avec des zooms manuels mais également grâce à notre nouveau zoom motorisé NIKKOR Z 28-135mm f/4 PZ qui comprend 11 vitesses de zoom différentes.

5. Filtre ND

Il commande l'exposition en lumière vive, vous permettant des prises de vue à grande ouverture pour obtenir une faible profondeur de champ, même en extérieur.

Idéal pour : un ralenti stylisé et un bokeh cinématographique qui a fière allure lorsqu’il se déplace.

6. Enregistreur audio + micro Lavalier

Gardez vos dialogues clairs même lorsque vos visuels sont chaotiques.

Idéal pour : coupes L et J, travail de localisation dynamique, séquences de talking head avec mouvement.

Final cut : Les deux casquettes du créateur

Les montages réussis commencent avant que vous ne lanciez l'enregistrement. Vous prévoyez d'utiliser un whip pan comme transition ? Filmez les deux bouts. Vous voulez ajouter des speed ramps ? Utilisez une cadence de prise de vue élevée. Vous avez besoin d'un travelling compensé ? Apportez le matériel approprié.

Les grands réalisateurs pensent toujours au montage et ne se retrouvent jamais coincés par leurs prises de vues.

Gardez donc votre casquette de réalisateur, mais n’oubliez pas d’ajouter « monteur » entre parenthèses, car chaque mouvement est un choix. Lorsque ces choix sont délibérés, vos montages ne sont plus de simples coupes, ils se transforment en chorégraphie.