Sublimez vos vidéos en mixant le son comme un pro

Le son est difficile à maîtriser car, contrairement à l'image qui est issue d'une source unique, il est souvent le résultat de dizaines de signaux simultanés. Alors, comment garder la main au milieu de tout cela ? Le secret est dans le mixage.

Soyez organisés dès le départ

Un bon mixage commence par une bonne organisation. Avant de vous plonger dans l’égalisation et les plugins, assurez-vous que votre piste de montage est nette :

• Le dialogue sur ses propres pistes. Séparez par haut-parleur si vous avez plusieurs voix.
• Les effets sonores sur une piste séparée. Ambiances d’arrière-plan, bruits de pas, claquements de porte, etc.
• La musique sur son propre canal (ou ses propres canaux). Cela vous donne la liberté de l'ajuster indépendamment.
• Des marqueurs pour les transitions. Identifiez les changements de scène majeurs ou les temps forts pour vous aider à rythmer votre mixage.
• Nommez vos clips dès votre retour dans votre studio. Bien sûr, vous êtes pressé, mais je vous promets que vous regretterez amèrement de vous retrouver face à huit enregistrements différents, tous étiquetés « dialogue ».
• Conservez l'audio de l'appareil photo sur sa propre piste. C’est une référence extrêmement pratique parce qu’elle contient toute la conversation dans l’ordre où elle s’est déroulée.

Conseil : Utilisez le micro interne de votre appareil photo pour synchroniser rapidement des enregistrements externes. Il suffit d’aligner les pics de forme d’onde à partir d’un clap ou d’un pic. À partir de là, désactivez l’audio de l'appareil photo et travaillez avec la piste externe propre. Des applications telles que Final Cut et Adobe Premiere peuvent également le faire pour vous. Même si vous n'effectuez pas le montage dès maintenant, maintenez tout votre matériel audio synchronisé, étiqueté et prêt à l'usage. Il n'y a rien de pire pour saper l'enthousiasme d'un montage que de perdre une heure à faire du tri avant de pouvoir commencer.

Mêler musique et émotion

La musique peut façonner le parcours émotionnel du spectateur, mais seulement si elle est utilisée à bon escient. Les dialogues sont souvent masqués par la musique, mais votre public se lassera très vite s'il ne peut pas suivre l'intrigue.

De plus, ces magnifiques visuels que vous avez mis tant de temps à créer perdront de leur puissance narrative si vous la diluez dans la musique.

En fin de compte, la musique agit comme les épices en cuisine : elle peut sublimer une création, à condition d'être utilisée avec modération, sans excès.

• Elle doit accompagner, sans dominer. Gardez la musique à un niveau inférieur à celui des dialogues, pour souligner l'action, pas la concurrencer.
• Pilotez le volume. Utilisez l’automatisation pour augmenter ou diminuer subtilement le volume sonore de la musique pour les plans de coupe, les montages ou pour faciliter les transitions. Rendre le volume musical dynamique empêche les spectateurs de couper le son ou pire encore, d'avoir l'impression qu'il est bloqué.
• Utilisez la musique pour signaler un changement. Un changement de ton ou une pause rythmique peut souligner un saut narratif, une nouvelle scène ou un moment de réflexion. Il ne faut pas abuser de cette astuce, mais elle est particulièrement efficace lorsqu'elle est utilisée à bon escient.
• Quittez sur un fondu enchaîné. À la fin d'une piste, fondez les dernières mesures dans le son ambiant ou un autre signal pour éviter les arrêts brusques. Si vous vous contentez d'appuyer sur la touche « stop », cela brisera complètement le charme pour vos spectateurs. Cependant, si vous voulez secouer votre public, cela peut s'avérer très efficace.

Attention : trop de musique peut être épuisant. Le silence est un outil puissant. Donc, en cas de doute, repassez-vous la séquence en coupant la musique et interrogez-vous : est-ce qu'elle apporte réellement quelque chose en plus ?

Créez une ambiance avec SFX

Les effets sonores donnent de la texture à votre monde. Le son d'une allumette qu'on allume dans le film de Hitchcock l'inconnu du Nord-Express, le bruit sourd des pas du T-Rex dans Jurassic Park, les deux routards du loup-garou de Londres qui entendent des hurlements dans le lointain : dans chaque cas, nous savons que cela annonce des problèmes.

Ces effets sont particulièrement efficaces lorsqu'ils correspondent à un ton émotionnel, pas seulement à une action visuelle. La récente série de streaming Chernobyl est un chef d'œuvre de conception sonore avec ses grondements sinistres et ses moments « vous avez entendu cela ? ». Beaucoup de sons n’appartenaient pas à l’action qui se déroulait à l’écran, mais ils créaient une tension presque insupportable dans les moments clés.

• Utilisez des ambiances réelles. Ajoutez des bruits de rue, le vacarme d'un café ou les sons de la forêt pour renforcer l’espace et la localisation. La vraie vie n’est jamais vraiment « silencieuse » : il se passe toujours quelque chose sur le plan sonore.
• Créez des métaphores sonores. Le sifflement d'un train dans le lointain peut symboliser la solitude ou une arrivée. Le tonnerre est un raccourci instantané vers la tension. La métaphore n'a pas besoin d'être littérale, il suffit simplement qu'elle sonne juste.
• Doucement sur les couches sonores. Trois pistes SFX bien choisies (le ton d'une pièce, un détail important, l'accent ambiant) sont plus efficaces que 20 pistes surchargées.
• N’abusez pas des effets de souffle (qui imitent quelque chose qui se déplace rapidement dans l’air) et de montée sonore (qui augmentent le volume et la hauteur). Réservez les effets sonores aux moments où ils sont utiles : lors d'un déplacement temporel, pour amplifier l'impact ou entretenir le suspense.

Le conseil des pros : Si vous êtes friand de jeux vidéo, notez les effets sonores et les repères dans les meilleurs jeux. La bande son ne peut pas contenir que de la musique en continu pendant les 40 heures ou plus que vous allez passer dans le jeu, elle va donc utiliser des sons pour créer des univers, guider votre personnage et signaler de manière audible les événements marquants de votre progression. The Last of Us est une série de jeux vidéo à l'ambiance particulièrement réussie et la plupart des concepts qui y sont utilisés ont été reproduits tels quels de manière tout aussi efficace dans l'adaptation télévisée.

Rythmer avec le son

Le son peut faire avancer votre récit… ou le stopper complètement. Les poursuites en voiture de The Fast and the Furious seraient certainement moins palpitantes si elles étaient accompagnées par une douce mélodie de flûte népalaise, et Romeo et Juliette perdrait beaucoup de son romantisme au son d'une chanson de Motörhead telle que « Ace of Spades ». Et ce n’est pas seulement votre sélection de musique qui est importante. Ce sont les options de montage qu'elle vous offre.

Pour conserver l’énergie :

• coupez en fonction du rythme. Utilisez la musique ou les rythmes ambiants (comme des pas ou des machines) pour guider le rythme visuel. Une coupe en rythme est cent fois plus efficace qu’une autre qui ne l’est pas.
• Laissez le silence s'installer. Un moment de calme avant une révélation amplifie énormément l'effet dramatique.
• Évitez les coupes discordantes. Combinez les ambiances d’arrière-plan en un fondu enchaîné entre les montages. De cette façon, vous pouvez harmoniser les transitions et maintenir la crédibilité de votre univers. Quelques coupes audio dissonantes à la suite donneront un aspect très « disparate » à votre vidéo. L'oreille et le cerveau humain ont une fabuleuse capacité à détecter ces montages discordants.

Lissage de l’épissure

L’une des parties les plus difficiles du mixage sonore consiste à assembler des prises de dialogue séparées.

Les présentateurs professionnels ou les acteurs gagnent des fortunes parce qu’ils sont capables de répéter les dialogues à la perfection, de manière identique à la première ou à la dixième prise. Et nous, simples mortels ? Pas vraiment. Je ne compte plus le nombre de fois où j'ai demandé à un invité « c'était parfait, mais pourriez-vous s'il vous plait abréger un petit peu la partie centrale et terminer par une déclaration percutante ? »

Pour les entretiens en particulier, dans 99 % des cas, vous devrez « compiler » plusieurs prises ensemble. Pensez toujours à :

• Utiliser la respiration pour le montage. Profiter des points de pause naturels pour masquer les coupes. C’est un point de repère facile à l'oreille quand une phrase n'est pas « terminée ».
• Utilisez le ton ambiant sous chaque réplique. Cela crée une continuité, surtout lorsque vous jonglez entre les prises.
• Utilisez les plans de coupe. Le plan de coupe peut masquer une multitude de défauts, profitez donc de votre présence sur site pour filmer tous les endroits appropriés. Vous ne vous remercierez jamais assez de l'avoir fait.
• Ceinture et bretelles. Si vous êtes seul, une seconde caméra filmant sous un angle différent peut vous sortir d'une situation demontage épineuse.
• Harmonisez la reverb. Si une prise a plus d’écho, vous pouvez soit l'adoucir en supprimant la reverb ou à l'inverse en ajouter à la piste plus sèche pour les harmoniser.

Conseil de pro : Il est toujours préférable d'effectuer le montage des dialogues avant l'égalisation (EQ) et la compression. Toujours nettoyer d’abord, mixer plus tard.

Chaque chose à sa place

L’égalisation (EQ) est là où nous donnons à chaque élément sa propre place dans le mix en fonction des fréquences sonores, mesurées en hertz (Hz). Vous avez des dialogues nets, une musique géniale et des effets sonores efficaces, mais s'ils sont tous coincés sur la même gamme de fréquences, vous public aura bien du mal à les différencier. l'EQ vous permet d'obtenir plus d'espace, évitant le manque de clarté et rendant chaque élément plus facile à identifier. Modifier l'EQ est généralement obtenu grâce à une série de curseurs sur votre logiciel de montage qui permettent de réduire ou d'augmenter certaines fréquences spécifiques.

Pensez à alléger votre palette sonore :

1. 80 Hz et moins. À moins que vous ne recherchiez des sous-basses très puissantes, ne vous embarrassez pas de ces fréquences, qui n'apportent que manque de définition et bruit sourd. Coupez-les.
2. 100 à 250 Hz. Trop de présence à ce niveau peut gonfler les basses, mais si votre son est un peu creux, cela peut lui être utile.
3. 250 à 500 Hz. Ici, le son peut devenir « nasillard » (exagéré et manquant un peu de naturel) ou « creux » si votre piste vocale n'est pas assez riche. L’effet de proximité (c’est-à-dire le bruit sourd d'une personne se tenant trop près de son micro) se retrouve souvent ici.
4. Beaucoup d’instruments, guitares, synthés etc, occupent cet espace. Si ces fréquences ont tendance à inhiber vos voix, réduisez-les un peu et baissez le volume de la piste musicale dans son ensemble.
5. Les sibilantes sifflantes des voix émergent ici. La plupart des logiciels de montage audio disposent d’un « de-esser » pour s’en débarrasser, mais une simple coupe peut également faire l’affaire.
6. C'est ce que le jargon appelle souvent « donner de l'air » : un petit renforcement de ces fréquences peut donner aux voix la présence et la douceur qui leur fait défaut.
7. Coupez les basses (inférieures à 80 Hz). Ce n'est qu'une surcharge sonore qui restera de toutes façons inaudible. À l’inverse, boostez légèrement les médiums (1-3 kHz) pour la « présence », donnant au dialogue un peu plus de punch dans cette gamme de fréquences clés.
8. Atténuez légèrement les plages où se situe le dialogue (généralement 2-4 kHz) pour éviter les conflits sur cette fréquence. La plupart des instruments principaux tels que guitares et claviers sont sur cette plage, et ils sont généralement mixés de façon à dynamiser la mélodie d'une chanson. Vous aurez vraisemblablement besoin de les atténuer pour que les dialogues soient audibles.
9. Accentuez ce qui compte. Un tic-tac d’horloge ? Boostez les 4-7 kHz. Un grondement ? Accentuez les 80-200 Hz.
10. En règle générale.Si vous augmentez la fréquence d’une piste, cela signifie généralement que vous pouvez couper une grande partie du reste, et parfois une coupe de chaque côté d’une fréquence peut être tout aussi efficace que de l'amplifier.

Liste de contrôle des calamités sonores les plus courantes auxquelles le réalisateur est confronté

On peut être tenté de croire qu'il suffit de toujours renforcer, augmenter et ajouter couche après couche pour obtenir de la tension et un effet dramatique. À certains moments clés, il est donc souhaitable de faire une pause, de passer à autre chose pendant dix minutes, puis de reprendre le travail avec une oreille neuve.

Voici quelques conseils pour vous aider à vérifier que votre mix ne commence pas à ressembler à l'ensemble des scènes de batailles de la guerre des étoiles jouées en même temps.

• Trop d'effets sonores. Une montée sonore, c’est spectaculaire. Cinq, c'est une parodie.
• Ignorer la surcharge de bruit. La superposition de plusieurs pistes avec un bourdonnement faible, ou même simplement un bas de spectre surchargé s'additionne rapidement. Filtrez les ambiances redondantes ou coupez-les.
• Niveaux plats. C'est le problème inverse, l'absence de relief. Un mix qui garde le même volume sonore de bout en bout est très vite ennuyeux et retire toute vie aux visuels. Jouez du fader et des fondus enchaînés pour le dynamiser.
• Dialogue agressif. Utilisez un de-esser pour adoucir les sons « S » trop stridents et compressez pour lisser le ton de ceux qui parlent trop fort pour rendre la parole plus uniforme.
• Niveaux trop chauds. Laissez une marge de manœuvre, recherchez un pic autour de -1 dBFS (décibels pleine échelle, une mesure de l’amplitude numérique, où 0 dBFS est le maximum) et visez -14 LUFS (Loudness Units Full Scale – l’unité standard pour la perception de l’intensité sonore dans le temps) pour un audio standard Web. Il est très facile de commencer une course aux armements en volume entre vos pistes.

Il est temps de passer au mixage

Le mixage ne consiste pas seulement à corriger les défauts et à s’assurer que toutes ces pistes fonctionnent bien ensemble, il s’agit de façonner l’histoire. En donnant du sens à votre audio, vous invitez votre public à une immersion plus intense dans votre univers.

Une bonne bande son relie tous les éléments et est tout aussi importante que votre film, vous aidant à créer en vidéo une expérience audiovisuelle puissante et émotionnelle pour votre public.